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THE GOLDEN JOURNEY 展​

글로리아 뮤노즈
​GLORIA MUNOZ

​2020. 2. 25 - 3. 3


*전시장소 / Venue :
서울시 강남구 압구정로 71길 14
         14. Apgujeong-ro 71-gil Gangnam-gu, Seoul

세계일보 창간 31주년 기념 「세계미술전」 < THE GOLDEN JOURNEY : Gloria Munoz >
깊은 명상 속 ‘울림의 세계’를 엿보다

홍경한(미술평론가)
​


‘세상을 보는 눈, 글로벌 미디어’라는 세계일보의 슬로건을 시각예술에 접목한 글로리아 뮤노즈(Gloria Munoz)의 이번 전시는 스페인에서 작업하며 지중해 문명에 뿌리를 둔 유럽의 전통과 문명에 대한 추억과 회상을 배경으로 한 작가를 초대한 전시이면서 ‘세계문학상’, ‘세계음악콩쿠르’와 더불어 세계일보 ‘3대 문화프로젝트’ 중 하나로, 문학과 음악을 잇는 시각예술 장르의 완전체를 보여준다. 
 
1. 대상이나 현상을 시각으로 수용하려는 본능은 인간이 지닌 숭고한 기능이다. 문명과 문화는 그 생득적 행동능력에서 비롯되어 왔다. 예술가 또한 본능을 글과 그림, 언어와 행위로 심화시키거나 감춰진 것을 조형화하며, 존재를 포함해 다양한 유발인(Releaser)을 표상의 기의로 삼는다. 이 가운데 존재에 대한 자각과 질문은 삶과 죽음 못지않게 미술에 있어 오랜 역사를 지닌 주제였다. 예술이 현존재(Dasein)로서의 인간이 세계와 반응한 결과라고 할 때, 가장 예민한 현존재인 예술가는 세상의 불확실한 명제를 명료하게 만드는 역할자를 자처한다. 동시대 벌어지는 다양한 현상에 의문을 품은 채 지각과 경험의 파편들을 현실로 소환해 기록하는 것도 그들의 몫이다. 그런 차원에서 세계일보 창간 31주년을 기념해 소개되는 스페인 작가 글로리아 뮤노즈(Gloria Munoz)의 작품들도 존재라는 측면에서 크게 이탈하지 않는다. 보임은 풍경과 정물이요, 지중해를 텃밭으로 한 역사와 전통의 낭만적 서술일 수 있으나 실은 깊은 명상 속 ‘울림의 세계’와 근친한 철학적 내성을 유지하고 있다는 것이다.
 
2. 어떤 것이 목적성에서 유리될 때 그것은 유희로 남는다. 자칫하면 뮤노즈의 그림도 그럴 수 있다. 때문에 시각조형이 선물하는 주관적 포만감은 각자의 몫이더라도 뮤노즈의 작품은 드러남에 만족할 수 없는 의미의 해석이 필연적이다. 우선 그의 작품들은 일상 속 소박함을 담은 회화, 판화, 드로잉으로 제작된 풍경과 정물이 주를 이루지만 인간 삶의 한 장면들과 무관하지 않은 서사가 깃들어 있다는 점에서 주목할 만하다. 모든 경험적 소재와 역사적 진실, 자연적 사실이라는 사색이 감정 및 정서와의 균형 아래 조화롭게 녹아있음은 평범한 사물과 자연물의 대상화 이상의 흥미로움을 제공한다.
여러 작품 가운데 탈색되고 낡아 벗겨진 프레스코(Fresco)를 연상시키는 그의 제단 연작은 수도원의 어느 한 부분임에도 ‘시간의 공명’이 물씬하다. 헌사에 근접한 <Offering>(1999) 시리즈는 장엄하며 신성한 엄숙함일 수 있으나, 미학적 관점에선 의식(여기서의 의식은 의식(意識)과 의식(儀式)이 교차한다)이 사물과 관계 맺는 순수표상작용으로써의 의미가 더 크다. 이중 작가에게 시간은 형상화하기 이전에 이미 형상화의 조건으로서 충분해 보인다. 시간이 잉태하는 공명에 관한 그의 시선은 석판화 <Manuscrit>(2019) 연작에서도 고스란히 나타난다. 아직 미완의 뜻풀이에 머물고 있는 문자로 작성된 보이니치 필사본(Voynich manuscript)을 새긴 이 작품들은 아도르노(Adorno)의 입장에서 보면 ‘미적 가상’으로 불충분하지 않다.(일반적으론 고서에 대한 올림의 영역에서 풀이된다) 이 명료한 남성명사‘Manuscrit’은 어떤 알 수 없는 환영이기보다는 그 자체의 특성에다 시간의 족적을 훑는 작가의 애정과 관심, 세월의 지층을 뚫고 소환된 동시성을 고르게 보여준다. 층위가 넓은 뮤노즈의 작업세계를 증명하는 또 하나의 사례인 정물화는 온전히 묘사되지 않기에 오히려 해석의 여지를 확장시킨다. 재질과 물성이 제거된 채 소담히 놓인 정물들은 사색의 힘을 거쳤을 때 비로소 자기 것이 될 수 있음을 일러주며, 차분하게 자리 잡은 색조와 거친 듯 정제된 붓질은 고요하고도 미묘하다. 이때 관람객이 느낄 풍부한 미감과 상상력은 덤이다.
정물화에서 눈에 띄는 부분은 책, 컵, 물고기, 과일, 조개, 화병, 접시 등의 일상적인 사물을 옮겨놓은 것에 불과하나, 어딘가 모를 인간 삶의 단락과 맞닿아 있다는 점이다. 그것은 매우 비유적인데, 테이블과 그 위에 놓인 다양한 물체는 현실을 나타내는 것이자, 보편적 삶의 여러 형태와 갈음된다. 즉, 평면에 자리 잡은 각 사물들은 작가에 의해 존재성을 획득하고, 선택된 사물들은 저마다의 스토리가 배어 있다는 것이다. 또한 이 사물들은 그 자체로 문명과 역사적 기술에 앞서 동시대 실존의 상징적 무게를 지닌다.
대표적인 작품은 모노톤에 가까운 색조를 사용하여 사물의 본질에 집중한 2018년 작 <Carthography>(2018)와 고문서를 다룬 <Codex aureo>(2018), <Codex creation>(2018), <Codex natura>(2014) 등이다. 인간과 정신적, 무의식적 연계성을 띤 <Babel>(2008)시리즈와 <Anima mundi>(2014)도 예외는 아니다. 절제된 듯 깊이 있는 색채가 인상적인 이 그림들은 일차적으로 책(여기서 책은 작가에 의한 어떤 서술의 총체이면서 상상의 세계를 관통하는 소재이다)통한 문명과 역사적 시간의 궤적을 엿보게 한다.
그의 정물화는 단순히 사물을 아름답게 그린 자연의 재현(Mimesis)이라기 보단 인간 감각에 의존하는 재-형상화(Re-figuration)에 부합한다. 물론 재-형상화는 동시대에 거처를 둔 인간에게 주어지는 비자발적 고독과 존재에 대한 자각, 철학으로까지 나아간다. 이런 판단은 감성어린 표현이 휘도는 <White and black spaces>(2012)를 포함한 <White space> 연작에서 역시 농밀하게 나타난다.
시간의 공명 아래 깃든 삶의 장면은 바닷가 풍경을 그린 <Space of sea>(2018) 시리즈에서도 동일하게 구현된다. 서너 명의 사람들이 물놀이를 즐기는, 그저 평범한 장면을 녹여낸 듯 보이다가도 탁 트인 배경에 시점마저 흐릿한 형상으로 인해 불안전한 ‘나’와 경계된 자리에 선 존재가 여지없이 소환된다.(필자는 이 작품에서 구심점 없이 위치한 인간과 바다라는 일상의 익숙함을 낯섦으로 치환함으로써 표류하는 인간에게 닥친 심리적 단면을 읽는다) 이는 눈에 비친 대상의 사실성에 치중하기 보단, 보는 이(주체)와 주변화 된 것(타자)과의 관계 사이에 이입되어 있는 무형의 어떤 것들에 방점을 둔 결과이다. 그것은 시간에 투여된 일시성일 수 있고, 찬란함에 가려진 생의 묵직한 분동일 수도 있다.
이런 흐름은 일종의 수사본(手寫本)을 담은 석판화 <Manuscrit>(2019) 연작(이 작품에 내재된 시간적 구조는 무한 증식 가능한 이야기를 요청한다)을 비롯해, 캔버스에 유채로 제작된 <Ecstasy> 시리즈, <Blue space> 연작에서 유사하게 드러난다. 정도의 차이는 있으나 모두 상징적인 사물을 통한 작가 자신 내부에서의 깊은 사유를 공통으로 삼는다. 이를 조금 더 극한으로 해석하자면 어느 경우 건조함을 넘어 황폐함까지 읽게 하는 그것은 차라리 삶에 있어 제한되거나 제약받는 상황에서 싹트는 ‘심리의 그늘’에 가깝다.(이 또한 고의적 드러남과 감춰짐 사이에서 자란 조형이며, 엄밀히 말해-앞서도 언급했듯-의식된 이미지에 담아낸 경계된 자리에 선 존재와 잩다.)
 
3. 겉으로는 알 수 없을지도 모른다. 하지만 과거 중세 이후 500년 화사(畫史)가 그러했듯. 그의 작업에선 실존하는 나조차 어쩌면 부재자이면서 또 어느 경우엔 배회자일 수 있는 객체로써의 우리를 열람케 한다. 망막이 아닌 심리적 측면에서의 접근이 필요한 이것은 이방인, 주변인이기도 한 현실을 ‘의식된 이미지’와 교환한 성과이다. 또한 의식된 이미지는 뮤노즈 작업에서 일관되게 드러나는 공허함과 채워지지 않는 결핍 혹은 채웠다고 믿는 것에 관한 파기의 불안감, 타자로써 완성되는 존재에 관한 질문 등을 담보한다.
그래서일까. 그의 그림 전반에 걸친 비워짐과 채워짐, 동전의 양면 같은 존재와 부재는 공허한 지향으로부터 직관에 의한 충족으로 향하는 목적론적 경향을 지닌다. 이때 작가에 의해 인식된 모든 사물들은 이미지가 아니라 하나의 현상으로 변모하며, 그 현상은 보는 이들에게 다시 직관적으로 환기된다. 이러한 경향은 정신과 시각의 관계이자, 작가의 경력 전반에 걸쳐 드러나는 식별 가능한 요소이기도 하다. 뮤노즈의 작품은 평범함 속에서 남다른 미적 가치를 내보인다. 예술이라는 프리즘을 통한 삶이라는 본질과 그 내부에 포박된 작가적 감수성이 박제된 ‘시간의 틈’에서 일궈낸 시각의 총체이다. 무엇보다 그가 만들어낸 조형은 2차 세계 대전 이후 긴박한 상황에서 태동한 삶과 현재까지의 오래고 긴 여정에서 체득한 가시적인 것과 감추어진 것, 의식과 무의식 사이에서의 비동일성의 증표를 동일성의 거리만큼 보여준다. 그렇기에 비동일성의 증표는 평범한 일상적 그림에서조차 날카롭다.
하지만 그러한 조형방식이 거저 생성되는 건 아니다. 프랑스 철학자 메를로 퐁티(Maurice Merleau Ponty)는 모든 지식은 우리를 둘러싼 세계로부터 얻은 것이고, 예술 역시 세계를 탐구한 결과라고 주장했다. 그는 예술을 통해 무언가를 본다는 것은 보는 행위를 통해 무엇을 알게 되는가를 가리킨다고 덧붙였다. 이를 뮤노즈의 작품에 대입해도 무리는 없다. 그의 그림을 통해 우린 무엇을 알게 되는가 말이다. 단순한 지중해의 낭만이나 풍경, 기록될 수 있는 미적 기술, 시각적 인지? 아니다. 각각의 작품들은 재현의 개념을 넘어 철학을 그리고 있다는 점, 작가만의 고유한 감수성을 토대로 재현된 조형언어와 상징 및 기호를 희석제로 한 정신적인 언어가 어떤 방식으로 예술화 될 수 있는지를 펼쳐낸다는 게 옳다. 때문에 사물과 형상은 부차적이다. 글로리아 뮤노즈의 그림은 화려하고 호들갑스러운 조형언어와 달콤하고 현혹적인 이미지로 포장하는 미적 시도들을 거부한 채 (궁극적으로)인간심리와 존재감을 상실해가는 ‘우리’와 관계된 ‘나’에 주안점을 둔다. 내가 느끼고 읽어내는 것들을 공명의 틀에서 재생산한다는 것이다. 작가도 “수도원에서의 작업은 공허와 충만, 빛과 어둠, 삶과 죽음, 하늘과 대지 속에서 나”라고 말한다. 그는 이를 ‘사색’으로 정의한다. 이는 그의 작품을 이해할 때 무척이나 중요하다. 왜냐하면 그의 풍경과 정물에서 나타나는 공간 혹은 장소, 묘사되는 사물자체는 특별한 게 아니지만 그의 손을 거치면서 사물에 새로운 차원과 관점을 부여하고 우리에게 일상적인 오브제들에 대한 특별한 인식을 갖게 하기 때문이다. 이는 확실히 뮤노즈의 작품에서 획득할 수 있는 남다름이다. 더구나 외피화 된다는 것, 표현한다는 것이 예술의 종착지는 아니다. 뮤노즈의 그림에서 발견할 수 있는 진정한 가치는 공감의 순환에 있다. 그가 선택한 대상들은 비록 아무런 말이 없으나 수없이 많은 의미적 언어들을 토해내고, 그렇게 내뱉어진 언어는 물리적 공감대를 넘어 인간의 실존과 타자성, 그리고 삶을 테두리로 한 과거와 현재의 여정을 기록하는 수단이 된다. 이 역시 간과할 수 없는 측면이다.
 



Special Exhibition to Celebrate the 31st Anniversary of the Segye Times:
​< THE GOLDEN JOURNEY : Gloria Munoz > Get a glimpse of the "Echoing World" in deep meditation.

Hong Kyounghan (Art Critic)

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​Gloria Munoz’s exhibition, which incorporates the slogan of the Segye Times "Eyes to the World, Global Media" into visual art, showcases world literature and culture through the "World Literature Award" and "World Music Concours," which along with this exhibition, comprise the media company’s three largest cultural programs. The artist, whose work is based on European traditions and civilizations, resides in the Mediterranean, specifically living and working in Barcelona and Peralada, Spain.
 
1. The instinct to accept objects or phenomena visually is a sublime function of human beings. Civilization and culture has originated from humans’ innate capacity of behavior. Artists also deepen their instincts through words and pictures, languages and actions, thus giving shape to something that was once hidden, or unable to be seen. This includes our own existence, taking the various releasers as representation of the signified.
Among them, reside awareness and questions about existence that have long been a subject of art as well as life and death. When art is the result of human's reaction to the world as a Dasein (being there, or presence), the most sensitive Dasein, the artist themselves, claims to be a role-maker who makes the uncertain proposition of the world clear. It is also up to artists to summon and record fragments of perception and experience as reality, questioning the various phenomena that take place simultaneously.
In that sense, works by Spanish artist Gloria Munoz, who will be introduced to mark the 31st anniversary of the Segye Times, do not deviate much from the aspect of existence. Being seen as a landscape and still life that can be a romantic description of  history and traditions based on the Mediterranean, but in fact, it maintains a close philosophical tolerance to the "Echoing World" in deep meditation.
 
2. When something departs from purpose, it remains as an amusement. Such could be the case with Munoz’s paintings. Therefore, although the subjective satisfaction that visual artwork presents is up to the viewer, it is inevitable that Munoz's work means something that cannot be satisfied by simply being shown.
First of all, her works which are noteworthy in that they contain a narrative mainly comprised of landscape and still life paintings, prints and drawings that depict simplicity in the humbleness of everyday life, which are remarkelby related to scenes of human life. Empirical materials, historical truths, and natural facts are melted down together with all of the emotions and sentimental feelings, therefore providing more interest than the objectification of ordinary and natural objects.
Among several of her works there exists a series of altars, which are reminiscent of the discolored and worn frescoes from the monastery, possessing a strong resonance of time. The <Offering>(1999) series, as an approximate tribute, may be majestic, sacred, and solemn, but from an aesthetic point of view, it is more meaningful that conscious intersects with objects interact with pure intuition (here, consciousness crosses over to a ritual as well).
For the artist, time already seems like a sufficient condition for formulation before even being formulated. Her gaze on the resonance of time is apparent in the series of lithographs titled <Manuscrit>(2019). This work, which contains the Voynich Manuscript as a yet unfinished work, is sufficient enough to be an aesthetic appearance from the point of view of Adorno, (commonly interpreted in the area of postings for ancient books). This clear masculine noun, ‘Manuscrit’, is not an obscure welcome, but rather a uniform display of the artist’s affection, interest, and concurrency, which was summoned through the strata of time, in addition to its own characteristics.
Still lifes, another example of the broad-layer Munoz’s world of work, are not fully depicted and rather extends the room for interpretation. The quiet stillness with the material characteristics and properties removed suggests that they can only become their own when they go through the forces of contemplation, and the calm tone as well as the rough, yet refined brush strokes are still and subtle. The beauty and imagination that visitors will feel at this time are abundant.
The conspicuous part of the still life is that it is merely a collection of everyday objects, such as books, cups, fish, fruits, clams, vases, and plates, but it is in contact with some unknown piece of human life. It is very figurative, the table and the various objects on it represent reality, and are intertwined with various forms of universal life. In other words, each object on a plane, gains its existence through the artist, and each selected object has its own story. Furthermore, these objects themselves carry the symbolic weight of contemporary existence prior to civilization and historical technology.
Representative works include <Carthography>(2018), which focuses on the essence of things utilizing monotonous hues, <Codex aureo>(2018), <Codex creation>(2018), <Codex natura>(2014). <Babel>(2008) series and <Anima Mundi>(2014) is also a representation of humanity, spiritually and unconscious connections. These paintings, which are impressive in depth with restrained colors, primarily give a glimpse of the trajectory of civilization and historical time through books (where books are the sum of any narrative by the artist and material that penetrates the imaginary world).
Her still lifes are not only a mimesis that depict objects beautifully, but are more like a re-figuration that relies on human senses. Of course, the re-figuration extends to the involuntary solitude, awareness of existence and philosophy given to humans living in the same time period. This judgment is also included in  the work titled <White and Black Spaces>(2012) that shows a sentimental emotional expression which is also profoundly illustrated in the series <White  Space>. The scenes of life beneath the resonance of time are equally embodied in the <Space of sea >(2018) series, which depicts the seashore landscape. The presence of three or four people playing in the water seems to be a mere melting of the once ordinary scene, but they are recalled in positions that are on edge due to blurred vision. (In this work, I see the psychological side of a drifting man by exchanging familiarity between the man and the sea to an extent of unfamiliarity, which is located without centripetal points.) Rather than focusing on the reality of the object in the eye, this is the result of focusing on something intangible that has been transferred between the viewer (the subject) and the peripheral (the others). It could be a temporality that was injected into time, or life’s heavy poise weight that had been blanketed by brilliance.
This trend is similarly illustrated in the series of lithographs <Manuscrit>(2019), containing a kind of investigative copy (the time structure in this work asks for an infinite multiplication story), and in the <Ecstasy> series, <Blue space>, showcasing similar features. There are differences in degree but they all share the deep reasoning that lies within the artist herself through symbolic objects. To give this a bit of a more extreme interpretation, it is rather more like a "shade of psychology" that, in some cases, leads to dryness and devastation in situations that are limited or constrained in life (this is also a form that grew up between intentional exposure and concealment, and is technically like a line in a conscious image).
 
3. You may not be able to tell from the outside. However, this was the case in the 500 years since the Middle Ages. In her work, even I, who exists, also led us, the viewers, to appreciate her work as an absentee or prowler at some point. Needing a psychological, not retina approach, is a result of exchanging the reality of strangers and neighbors with a "conscious image." Also, the conscious image guarantees the emptiness shown consistently in Munoz’s work, the anxiety of dismissal about believing that it was filled or unfilled, and the question of being completed as the others.
That's why there is both emptiness and fullness throughout her paintings, existence and absence, like a double-sided coin that has an objective tendency from an empty orientation to a meeting by intuition. At this time, all objects recognized by the artist are transformed into a phenomenon, not an image, which is intuitively evoked by viewers. This trend is both a mental and visual relationship and an identifiable factor throughout the artist’s career.
Munoz's work exudes extraordinary aesthetic value in mediocrity. This is the sum of views from the essence of life through the prism of art and the gap in time, which is embedded with the artist’s sensibility. Most of all, the sculpture she created shows the distance of equality as much as the distance between life and concealment that she learned from her long journey to the present from the post-World War II period. So the evidence of non-uniformity is sharp even in ordinary everyday paintings. However, such a method of shaping artwork is not something that can be easily produced. French philosopher Merleau Ponty argued that all knowledge came from the world around us, and that art was also the result of exploring the world. He added that seeing something through art points to what one learns through watching.
It is safe to apply this to Munoz's work. What do we learn from her paintings? Are they simple Mediterranean romances or landscapes, aesthetic techniques that can be documented, visual cognition? No. It is right that each piece of work is drawing on philosophy beyond the concept of reenactment, and unfolds the way in which both the recreated formative language and spiritual language are using a dilution of symbols that are based on the unique sensibility of the artist. Therefore, things and shapes are secondary.
Gloria Munoz’s paintings focus on "me" who is losing my human mind and presence (extremely) while refusing to accept colorful and loud modeling languages and aesthetic attempts to wrap them in sweet and deceptive images. It's about reproducing what the viewers feel and read from the framework of resonance. The artist also says, "working in the monastery is me in both emptiness and fullness, light and darkness, life and death, and in heaven and earth." She defines it as “thinking”. This notion is very important to the way in which she understands her work.
This is because the space, place or object itself that appears in her landscapes and stills is not special, but as she works with her hands, she gives things a new dimension and perspective and gives us a special perception of everyday objects.
This is certainly something different that can be obtained from Munoz's work. Moreover, to be superficial and expressive is not the final destination of art. The true value you can find in Munoz's paintings lies in a cycle of empathy. The objects she chooses to convey countless semantic languages, albeit without saying anything, and these languages become a means to record human existence, typicality and past and present journeys that are based on life beyond physical empathy. This, too, is an aspect that cannot be overlooked.


 

글로리아 뮤노즈 GLORIA MUNOZ (Spanish, B. 1949-)


Education
바르셀로나대학교 미술대학 교수 (1985 - )
1988 바르셀로나대학교 미술대학 박사
박사회 ‘Art coneixement I reaitat' 정회원
1972 산 조르디 바르셀로나 예술대학 학사  

Current Professor of painting in fine art at University of Barcelona (1985 - )
1988 Gloria is board member of PhD at Barcelona fine art university:
Teacher of Master Official “Art coneixement i realitat” 
1972 Bachelor degree in Superior Fine Arts at Sant Jordi Barcelona university
   
Solo Exhibition
2020 The Golden Journey, The Segye Times, Seoul 
2019 Marvelous,  The Trinity Gallery, Seoul
2019 “El Temps Aturat” / “Stopped Time”, Gran Teatre del Liceu,  Barcelona
2019 “El Jardín de Ofelia” / “Ofelia´s Garden” – Sala Parés. Barcelona
2016 “Espacios de Luz” / “Light Spaces” – Sala Parés,  Barcelona
2014 Sala Parés,  Barcelona
2012  “Re-naixement”, Sala Parés,  Barcelona. 
2011 “Camins Astrals”, Plau de l’abadia, Monastir Sant Joan de les Abadesses 
2010 "Interior / Exterior", Sala Parés,  Barcelona
2009 "INDIA", Sala Parés, Barcelona
2008 "Caminos Astrales", Sala Parés,  Barcelona              
             “Obra sobre paper” Fundació Cultural Castell de Peralada 
2007 Galería Art Folio,  Singapur
2006  Sala Parés,  Barcelona 
2005 "Templum Contemplatio", Ermita S.Sebastià, Perelada 
2004 Lewis Beisbloom Gallery,  Carmel,  California            
             Sala Parés,  Barcelona 
2002 Sala Parés,  Barcelona
2001 Lewis Beisbloom Gallery,  Carmel,  California.               
             Sala Parés, Barcelona. 
2000 Fonsd´Art,  Olot
1998 "Altars Buits", Museu de Art Modern, Tarragona               
                  Sala Parés, Barcelona  
1996  Sala Parés, Barcelona               
              Art Centre, Andorra 
1995 "Empty Altars", Joan Prats Gallery,  Nueva York 
1993 Sala Parés. Barcelona 
1992 Galería Àgora 3, Sitges
1991 Galeria Cisne,  Madrid              
             Sala Parés, Barcelona 
1989 “Intemporal”, Plana de l´Om, Fundació Caixa, Manresa
1988 Sala Parés, Barcelona
1987 Galería Van Dyck, Gijón             
             Galería El Quatre, Granollers
1986 Galería Comas, Barcelona           
              Galería Àgora3, Sittges
1985 Galería Uno, Cadaqués             
             Galería Aida, Terrasa             
             Galería El Carme, Vic 
1984  Palau de Caramany, Girona
1983 Galería La Clariana, Vic
1982 Galeria Comas, Barcelona
1981 Galería Noucents, Barcelona              
             Galería Ágora 3, Sitges
1980 Palau de Caramany, Girona
1979 Galería Grifé i Escoda, Barcelona
1978 Galería Grifé i Escoda, Barcelona
   
Group Exhibition
2019 ARCO MADRID
2018 The Sea trilogy – (3 artists)
2018 Summer Collective, Sala Parés, Barcelona
2017 Summer Collective, Sala Parés, Barcelona
2016 Summer Collective, Sala Parés, Barcelona
2014 Exposition Everbright Bank,  Shanghai
2013 Art Beijing               
             Caexpo. Nanning               
             Art China. Beijing               
             Art Shanghai
2012 "The Spirit of Barcelona”, Messum´s Gallery, Londres 
              Catalan Painters, Heritage Fundation, Ginebra
2011 “The Spirit of Barcelone”, David Messum Gallery, Londres             
             “Vinyes i Vins”, Sala Parés. Barcelona  
2010 “the spirit of Barcelona", David Messum Gallery, London.             
             "Tauromaquias", Sala Parés, Barcelona              
             “Art i Vi”, Sala Parés, Barcelona            
             “Cuidades Europeas”, Sala Parés, Barcelona
2008 Wally Findlay Gallery‘s, New York.                 
             Catedral de Castelló d‘Empuries                
             “Projeccions espais amb artista”, Caixa de Girona 
2007 "En un nou segle, 130 anys Sala Parés", Sala Parés. Barcelona
2006 Heritage Fundation. Ginebra
2005 "Tres pintores catalanes contemporáneos", Galeria Forni, Bolonia                
             "Artistas catalanes contemporáneos", Fundación Heritage, Ginebra                
             "Paisatge Faust", Museo de Sant Feliu de Guíxols 
2004 "Diversitats", Sala Parés, Barcelona
2003 "Dualitats", Sala Parés, Barcelona
2002 “The espirit  of Barcelona” Messum´s Gallery, Londres
2000 "Four Catalan painters",  Messum´s Gallery, Londres
1999 “the spirit of Barcelona”  Messum´s gallery,  Londres
1997 “ Catalan painters", David Messum Gallery,  Londres             
             “Retrat-Autoretrat”, Galería J.Castellvi, Barcelona            
             “pintors catalans”, Galería Aules, Ginebra 
1995 Unicef 50, Palau Robert, Barcelona
1994 "Colecció Testimoni", Fundación La Caixa, Barcelona              
             “26 Pintors”, Sala Parés, Barcelona
1992 "A Barcelona", Sala Parés, Barcelona
1988 "Figuracions", Sala Parés, Barcelona
1985 “Pintores contemporáneos catalanes”, Galeria Art Sud, Tolousse
1984  “Bienal joven pintura contemporánea”, Atarazanas, Barcelona
1974 "DIEZ nuevos pintores", Sala Vayreda

Additional 
Special project in cooperation with Jean Leon winery
Develop an special label for a special edition - 6K bottles